Авторский почерк: как работают самые популярные студийные театры в Москве
Стиль современных театров-студий, как правило, рождался естественным образом, передаваясь от учителей к ученикам. В Москве их роднит альма-матер: большинство участников вышло из режиссерских мастерских ГИТИСа, где уже был заложен фундамент собственного метода.
«Студия театрального искусства»: живая сила традиции
«Студия театрального искусства» (СТИ) под руководством Сергея Женовача, ученика и наследника творческого метода Петра Фоменко, в этом году отмечает 20-летие. В основе репертуара CТИ редко инсценируемые произведения классиков мировой литературы в живой, естественной интерпретации. Стиль театра — визуальный лаконизм, детальная проработка психологии персонажей. В режиссерском отношении Сергей Женовач словно возвращается к Константину Станиславскому, как к истокам. Зритель погружается вместе с актерами в усадебную старину или острокомедийный советский абсурд жизни. СТИ подчеркивает связь времен: уже на подходе к зданию театра кажется, что ты современник тех, кто висит в портретной галерее — Чехова, Булгакова, Платонова.
Свой дом театр обрел в здании золотоканительной фабрики, семейного предприятия купцов Алексеевых, из семьи которых и происходил режиссер Станиславский. В 2005 году миллиардер Сергей Гордеев, посмотрев в ГИТИСе дипломный спектакль «Мальчики» актерского курса Сергея Женовача, восстановил руины рабочего клуба на территории золотоканительных мастерских купцов Алексевых на Таганке и пригласил режиссера и его курс основать в новом пространстве свой театр.
Основой труппы театра стал первый набор мастерской Сергея Женовача в ГИТИСе. «На курсе царила невероятная атмосфера любви, — рассказывает актриса СТИ Ольга Калашникова. — Мы проводили почти 24 часа вместе, придумывали, сочиняли, ошибались, пробовали, радовались. И так сдружились, что даже праздники и все свободное время проводили вместе». Педагоги курса — Евгений Каменькович, Герман Сидаков, Ольга Фирсова, Сюзанна Серова, Григорий Гоберник и Сергей Качанов — принимали активное участие в создании театра».
По словам Калашниковой, у однокурсников было ощущение единства, нежелания расставаться. «На четвертом курсе, по идее, нужно показываться в театры, строить планы на будущее, а мы даже никуда не показывались. У нас была вера, что мы не расстанемся». В дипломном спектакле «Мальчики» в финале актеры выходили, взявшись за руки, и Карамазов говорил: «И вечно так, рука в руку».
Ведущий артист СТИ Сергей Аброскин отмечает: «За эти годы театр менялся и меняется до сих пор, и в разное время были разные спектакли, происходило взросление нас как артистов, как профессионалов. Но правильно сказать, что начинался театр с нескольких дипломных спектаклей: «Об-ло-мов-щина…» Германа Сидакова, «Marienbad» Евгения Каменьковича и «Мальчики» Сергея Женовача». Аброскин подчеркивает, что главным в стиле театра всегда было «следование в спектакле за автором».
Сергей Гордеев стал учредителем и меценатом театра. «Когда мы обсуждали наш проект по созданию СТИ, решили, что это будет театр, где все — на высочайшем уровне. Пусть постановки репетируются год или два, три, если требуется. Сергею Женовачу также хотелось создать именно студию, чтобы театр стал образовательной лестницей для актерских поколений», — рассказывал в 2017 году в интервью «Независимой газете» Гордеев.
Сейчас труппа театра состоит из бывших студентов пяти выпусков мастерской Сергея Женовача. «Каждое новое поколение, что приходит к нам в театр, кардинально отличается от нашего. Хотя педагоги те же, команды собираются разные. Другие люди, они по-другому смотрят на мир. Но мы «одной группы крови», все друг друга понимают», — объясняет Сергей Аброскин. Все годы существования театр работает своей командой: режиссер Сергей Женовач, художник Александр Боровский, композитор Григорий Гоберник и художник по свету Дамир Исмагилов.
При входе в СТИ ощущается атмосфера уютного дома: в гостиной-фойе всегда встречает зрителей ваза с зелеными яблоками (возле фабрики были когда-то раскидистые яблочные сады), а деревянная мебель в стиле модерн словно хранит тепло родовой усадьбы, где каждый вечер гости собираются за столом. Действие спектакля часто начинается в буфете с тематических закусок: вишневого пирога на чеховском «Вишневом саде», именинного варенья и шарлотки в «Трех сестрах», сала с черным хлебом в «Реке Потудань», банки шпрот на «Москва-Петушки» Ерофеева, сухого виноградного вина на «Заповеднике» Довлатова или кесадильи на «Одном дне в Макондо» по Маркесу.
Впоследствии Гордеев подарил здание театра городу. СТИ из частного стал государственным театром, по сути повторив судьбу МХТ, которому наследует идейно и по духу. «Сергей Васильевич ратует за русский психологический театр, — говорит Ольга Калашникова. — Нас так воспитывали, на сцене ты играешь в ансамбле, с партнерами. Спектакль — общая история. И это передается из поколения в поколение».
Центр драматургии и режиссуры: SounDrama Владимира Панкова
SoundDrama, как называет свой метод Владимир Панков, сформировался, когда он, будущий актер и режиссер (выпускник ГИТИСа, мастерская Олега Кудряшова), путешествовал по России и Восточной Европе, собирая фольклор, а потом писал музыку к спектаклям. Играл в составе «Пан-квартета» (Сергей Родюков, Владимир Нелинов, Владимир Кудрявцев и Владимир Панков). Из квартета сформировалась студия SounDrama, ее первыми постановками в 2000-е годы в Москве стали «Красная нитка», «DOC.тор» и «Переход».
«Почему «звуковая драма», если дословно переводить? — рассуждает заслуженный артист России Андрей Заводюк, работающий с Панковым с основания студии. — Уделялось внимание звуку: мелодике языка, речи, ритмической и темпо-ритмической структуре, вплоть до звуков тишины, звука человеческого голоса, дыхания и биения сердца».
Музыка оказывалась главным действующим лицом. В спектакле звучат не только музыкальные инструменты, но и реквизит, то есть все действия на сцене раскладываются на ритм и звук, что и составляет драматургию, вплоть до фоновых звуков: скрип двери, чьи-то шаги, шум поезда, рассказывает Заводюк. Есть место и импровизации, как на джем-сейшене. Как это объясняет Владимир Панков: «При постановке я вижу вектор спектакля, как в звуке, точку начала и точку его завершения. SounDrama — это единое музыкальное произведение, от начала и до конца один большой трек».
Метод предполагает синтез драмы и музыки, звучания ансамбля актеров и музыкантов, когда жесты, речь и само присутствие исполнителя на сцене организовано по музыкальным законам. «Панков никогда не делает прямого и точного распределения ролей, — рассказывает Андрей Заводюк. — Когда мы собираемся на первую репетицию, он выбирает артистов, как инструменты в оркестре, кто будет лидировать: флейта или скрипка? И мы по очереди, по ролям читаем. Потом он может поменять роли, так собирается оркестр, создается симфония, которая будет гармонично звучать».
Первым спектаклем студии SounDrama стала «Красная нитка» тогда еще в молодом коллективе Центра драматургии и режиссуры имени Алексея Казанцева и Михаила Рощина (ЦДР). Спектакль имел грандиозный успех, потому что говорил на новом театральном языке. Сейчас саундрама переросла в особый театр режиссера, лидера Владимира Панкова.
Почти 10 лет назад команда SounDrama обосновалась на площадке ЦДР. Заступая на должность худрука ЦДР, Владимир Панков обещал дойти вплоть до «Слова о полку Игореве». Авторский метод SounDrama Панков сделал брендом и открыл курс в ГИТИСе. Теперь каждое новое поколение выпускников студии Панкова приходит в ЦДР. В сезоне-2023/2024 поставил повесть Лескова о библейском праведнике «Скоморох Памфалон», который идет шесть с половиной часов с тремя антрактами.
В январе 2025 года Владимир Панков был назначен художественным руководителем «Ленкома Марка Захарова», вскоре было объявлено об объединении с ним ЦДР. Впрочем, коллективы останутся самостоятельными, что, по мнению Панкова, «большое счастье», потому что ЦДР «сможет послужить стартовой площадкой для молодого поколения артистов, режиссеров, хореографов, художников, композиторов — для такого легендарного театра, как «Ленком Марка Захарова».
«Мастерская Брусникина»: метод определяет
«Мастерская Брусникина» — независимый театр, созданный 10 лет назад на основе курса Школы-студии МХАТ под руководством актера и режиссера Дмитрия Брусникина. За эти годы в Мастерской поработали едва ли не все ведущие режиссеры современного российского театра: Максим Диденко, Филипп Григорян, Юрий Квятковский, Андрей Стадников, Дмитрий Волкострелов и Константин Богомолов. Ключевая особенность Мастерской — это театр без диктата одного режиссера, открытый к разным направлениям в искусстве, сотрудничающий с разными художниками.
Самый первый состав Мастерской стал звездным (Петр Скворцов, Марина Васильева, Анастасия Великородная, Гладстон Махиб, Алина Насибуллина, Даниил Газизуллин, Василий Буткевич, Игорь Титов, Михаил Плутахин) и сегодня уже ушел в свободное плавание, в кино, в режиссуру. Но и следующий выпуск пятилетней давности оказался не менее ярким: Аскар Нигамедзянов, Саша Золотовицкий, Мария Лашина, Эва Мильграм, Ясмина Омерович.
Полноценные спектакли Мастерская выпускала уже во время обучения. «Когда ребят набрали на первый курс, то сразу возникла идея приглашать молодых, интересных, востребованных режиссеров. Собрался репертуар, и Дмитрий Брусникин прилагал колоссальные усилия, чтобы курс смог остаться всем вместе», — рассказывает вдова Дмитрия Брусникина, заслуженная артистка России, режиссер и заведующая кафедрой сценической речи и вокала в Школе-студии МХАТ Марина Брусникина.
«Идея не расходиться пришла к руководителю в конце нашего первого курса, когда экзамен по «наблюдению» вырос в спектакль, мы делали вербатимы, — вспоминает актриса Дарья Ворохобко о самом первом спектакле Мастерской «Это тоже Я». — Был огромный зрительский запрос, наша учебная аудитория не вмещала всех желающих, мы сыграли его не один раз и затем нас пригласили играть в театр «Практика».
Когда «брусникинцы» только появились, они представляли собой полное собрание архетипов поколения 20-летних, а главное — труппу профессиональных актеров, которые, кажется, могли все. Секрет их независимого театра — в педагоге, который воспитал их в уникальном методе. «Дмитрий Брусникин и все педагоги Мастерской наделили меня геном современного театра, привили потребность в лабораториях, в современных пьесах, в современной музыке», — вспоминал актер Михаил Плутахин.
Дмитрий Брусникин — один из немногих режиссеров (наряду с Кириллом Серебренниковым и Виктором Рыжаковым), кто предлагал студентам уже с первого курса играть современную драматургию и даже создавать документальный театр, вербатим.
«Метод документального театра уже существовал, — рассказывает Марина Брусникина. — И Дмитрий Брусникин в какой-то момент четко понял, в чем его огромный потенциал. До этого жанр оставался, как правило, на уровне текста, то есть актер выступал как передатчик. Помню, как Брусникин вдруг сформулировал, что документальный театр — это на самом деле и есть школа Станиславского с точки зрения погружения в персонажа. Есть упражнения — наблюдения за животными, предметами. А тут наблюдение за людьми с точки зрения вербального поведения, манеры речи. И самое главное — темы человека-персонажа».
По мнению Брусникиной, именно соединение корней, традиций, то есть драматического подхода и нового материала, дало такой неожиданный эффект. Зрители испытывали потрясение от того, что видели на сцене реальных людей. Шок был от того, что зрители не узнавали артистов: на их глазах происходило перевоплощение. «Произошло соединение традиционной театральной школы с новыми тенденциями. Это поражало качеством», — рассказывает Марина Брусникина.
Один из самых известных спектаклей Мастерской — «Транссиб», созданный на основе сотен интервью, собранных «брусникинцами» во время поездки на поезде «Москва—Владивосток». Хитами своего времени стали бабелевская «Конармия», пелевинский «Чапаев и пустота» и сорокинская «Норма», где романы двух модернистких веков взрывались на сцене силой слова и тел молодых исполнителей, которые танцевали, рассказывали истории, пели и существовали в мультижанровом подходе абсолютно органично.
Мастерская может играть в ангаре («Слон»), в пустых пространствах башни «Меркурий» в московском Сити («Ай фак»). «В этот момент стал складываться современный иммерсивный театр. Мастерская поставила спектакль «Второе видение» по картинам художников Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова в «Боярских палатах». «Конармия» Максима Диденко, «10 дней, которые потрясли мир» шли в Музее Москвы, в новых пространствах», — объясняет Марина Брусникина.
Сейчас Мастерская чаще всего играет в театре «Практика»: там идут пьесы Дмитрия Данилова («Человек из Подольска/Сережа очень тупой»), Евгении Некрасовой («В кольцах»). Спектакли Андрея Родионова с Екатериной Троепольской с участием артистов Мастерской («Сван», «Нур эскадрилья») можно увидеть в «Пространстве Внутри» и в Новом Манеже.
«Брусникин постоянно спрашивал нас: зачем быть в этой профессии? Нужно было всякий раз отвечать, настраивать «зум». Это отличает Мастерскую от других коллективов, у нас всегда есть ответ на вопрос «зачем», — говорит актриса Алиса Кретова.
Весной 2025 года Мастерской исполняется 10 лет. «Это чудо, что даже потеряв лидера (Дмитрий Брусникин умер в 2018 году), они остаются вместе», — говорит Марина Брусникина. Мастерская по-прежнему создает актуальный, современный театр. Исполняет новую драму, приглашает молодых режиссеров, умеет транслировать большие смыслы через сценический минимализм.
«За время обучения мы попробовали разный театр, от документального, в технике вербатим, до музыкального, пластического, и даже постдраматического. Нас учили, что театр может быть разным. Обычно театральные коллективы возглавляют режиссеры, которые исповедуют определенное направление в театре, а в Мастерской одного направления нет, — рассказывает артист Мастерской Алексей Мартынов. — Мы в постоянном поиске: какой театр сейчас может быть актуальным? Как говорить со зрителем, о чем? Все это заложил Дмитрий Владимирович».
Объединение «Озеро»: самый звездный студийный театр
Театральное объединение «Озеро» работает в Москве всего второй сезон, выступая на правах резидента в частном театре «Пространство внутри», которым руководит продюсер Олег Карлсон. И создает востребованный репертуар со звездами театра и кино в главных ролях (от Максима Виторгана и Виктории Исаковой до Светланы Ивановой и Таисии Вилковой). «Мы хотим объединять сферы творчества и создать свободный творческий центр», — утверждают создатели «Озера». В объединение вошли недавние выпускники актерско-режиссерских курсов Евгения Каменьковича и Дмитрия Крымова в ГИТИСе, однокашники Андрей Маник (поставил «Три сестры» и «Ричарда»), Владимир Комаров (поставил «Заповедник») и актер Гоша Токаев.
Андрей Маник работает в крымовской стилистике и приглашает в постановки крымовских актеров Сергея Мелконяна и Марию Смольникову. Стиль трагической клоунады определяет спектакль «Ричард», где Смольникова в роли кровавого шекспировского тирана вылезает из холодильника «в гости» к незадачливому обывателю, который хочет кардинально изменить свою рутинную жизнь. О смысле жизни рассуждают сидящие в бункере три сестры. Мистическую роуд-муви «Красная шапочка», где сказочная хтонь намертво переплетается с кровавыми обстоятельствами бандитских 1990-х, ставит выпускник режиссерского факультета ГИТИСа Гоша Мнацаканов. И это тоже сродни фарсовой трагедии.
Молодые режиссеры хотят делать остроактуальный, игровой, метафорический театр, который рассказывает о самых насущных вещах, о смысле жизни, о поисках счастья. И о гуманных ценностях, которым в мире постоянно мешает насилие, зло, обман.
Режиссер Андрей Маник рассказал Forbes Life, что о конкуренции с другими театрами в «Озере» не думают: «Мы не воспринимаем другие команды как конкурентов, скорее, как единомышленников, пусть и двигаемся с ними в разных направлениях». А своими потенциальными зрителями «озерцы» видят всех, кто готов прийти к ним на спектакль.
«Өй-театр»: дебютанты на московской сцене
Новый «Өй-театр» официально заявил о себе летом 2024 года, отыграв дипломный спектакль «П.О.Л.Е.» на курсе Мастерской Евгения Каменьковича и Дмитрия Крымова в ГИТИСе. Создать свой театр-дом придумал режиссер Аскар Галимов: в переводе с татарского «Өй» означает «дом». А еще «Ой — это удивление», «первый импульс радости» и «что-то очень знакомое из детства», объясняет Галимов.
«Это режиссерский театр, авторский проект. Дом в названии театра означает не дом-место, а дом-люди. Люди объединяются вокруг чего-то общего», — рассказывает продюсер театра Анастасия Кудрявцева. Татарское название не исключает обращение к национальной культуре в будущем. «Создание межнационального культурного есть в каждом нашем спектакле. И за счет состава постановочной команды, и за счет того, что визуальный и музыкальный ряд, например, в спектакле «П.О.Л.Е.», работает так, что не важно, какой человек национальности, какой у него жизненный опыт, на каком языке он говорит. Есть такие образы, которые возвращают любого зрителя к тому, что ему очень дорого. Мы старались создать то, что будет откликаться каждому человеку», — объясняет продюсер.
«П.О.Л.Е.» («Просто она любила его») — сказочное роуд-муви по мотивам пьесы Олега Богаева уже стало «визитной карточкой» театра. История про трех столетних старух, которые отправляются на станцию встречать мужей с войны, разворачивается в пространстве метафизики. Бытовые подробности советского прошлого витиевато и комично вкрапляются в сказочную реальность. Второй спектакль театра — «Зимний сад», поставленный командой по мотивам известной чеховской пьесы нынешней зимой. Главную роль Раневской сыграла приглашенная актриса Алина Ходжеванова.
Галимов — психолог по первому образованию, в его спектаклях ощущается потребность разобраться во внутреннем мире героев. Кроме вдумчивого режиссерского подхода, спектакли отличает стилевое решение. Сценограф театра Екатерина Горшкова каждый раз создает пространственно-временной, метафорический образ в оформлении, будь то вязь мешковины с восточным ковром в «П.О.Л.Е.», или ледяная паутина заброшенной усадьбы в версии «Вишневого сада». В команде театра есть и свой композитор. Салават Гафаров пишет оригинальный саунд-дизайн.
«Идея создания своего театра была моей мечтой еще со второго курса, — рассказывает Аскар Галимов. — Мы представляем театр как дом, зону безопасности, зону, где ты можешь проявить себя, и тебе будут рады, воспримут тебя таким, какой ты есть».
В этом смысле «Өй-театр» действует в традиции, когда стиль театра определяет одна постановочная команда. Режиссер и актеры, задействованные в постановках, объединены одной школой. В то же время коллектив отстаивает свое право на независимость именно для того, чтобы создавать авторский театр. «Мы не Треплевы, у нас нет погони за новыми формами и нет первостепенной задачи «удивлять», — говорит режиссер. — Мы понимаем театр как терапию. Театр, как то место, где затрагивается сердечная жила. Будет новая форма или традиционная форма — это другой вопрос. Наша задача — чтобы зритель после спектакля вздохнул глубоко и ему стало хорошо».
В планах театра в ближайшее время — премьера под названием «Чехов.Док». В названии тоже заложена игра слов, так как спектакль создается по мемуарам Чехова и свидетельств о его врачебной практике. Постановка соберется как композиция из пяти самостоятельных актерских работ. Спектакль будет посвящен Чехову-врачевателю. Далее в планах театра поставить «Мое заглядение» по советской пьесе Арбузова и пластический спектакль по норвежцу Юну Фоссе. Пока коллектив играет на площадке Театрального центра «На Страстном».