Скульптуры Игоря Шелковского и мебель Пьера Жаннере: что покупают коллекционеры
Открывшись пять лет назад в пространстве Трехгорки под названием «Палисандр», галерея планировала сосредоточиться на произведениях коллекционного дизайна, но очень быстро расширила сферу своих интересов, обратившись к работам художников-шестидесятников и молодым современным авторам. Увеличились амбиции, сменился адрес и название галереи. Новая площадка под названием Alina Pinsky gallery почти два года как работает на Пречистенке.
Осенью 2019 года Алина и Дмитрий Пинские подарили Третьяковке на Крымском валу три работы Игоря Шелковского — стоящую, бегущую и шагающую фигуры.
Специально для Forbes Life Алина Пинская сделала подборку топ-продаж своей галереи за пять лет.
Игорь Шелковский, «Ваза с цветами», 2021
В работах скульптора, художника и издателя самого важного журнала о неофициальном искусстве в СССР «А–Я» Игоря Шелковского соединяются лаконичность минимализма, пластическая выразительность, графичность силуэта и образность. Особенность его метода — это рисунок в воздухе, лишенный плоскостей, и редуцирование изображения до простейших элементов, из которых конструируется рельеф-знак. Мотив цветов у Шелковского появляется в начале 1970-х, до эмиграции из Москвы в Париж. Тогда он начал работать над концепцией контурных скульптур и в том числе использовал сюжеты с вазами и цветами.
Как говорит сам художник: «Пластическая идея серии очень проста: отбросив плоть предметов, оставлять их абрис, контур, рисунок как средство выразительности. Делал я работы из деревянных реек, красил в белый цвет, а иногда подкрашивал в пастельные цвета». Прототипом семиметровой красной «Вазы с цветами» (2021), выставлявшейся в «Зарядье», послужила работа 2005 года, сделанная в Москве.
Александр Юликов, «Четырехцветная композиция», 1974
Художник-минималист Александр Юликов — один из немногих советских нонконформистов, кто избрал абстракцию в качестве основного направления. Его эксперименты в области формального языка шли параллельно европейской художественной практике того времени, но главной отправной точкой исследований оставался и остается супрематизм.
С 1970 года Юликов пишет одноцветные абстрактные картины, чаще всего белые, где изображения создаются разницей фактур, а параллельно работает с геометрической абстракцией, разрушая плоскость картины, соединяя фрагменты под разными случайными углами, но при этом сохраняя цельное единое изображение. «Четырехцветная композиция» (1974) относится именно к таким ранним произведениям художника, что большая редкость на рынке.
Пьер Жаннере, кресла для проекта «Чандигарх», 1957
В 1951 году классик французского модернистского дизайна Пьер Жаннере вместе со своим двоюродным братом Ле Корбюзье и командой архитекторов приступил к работе по возведению города Чандигарх на севере Индии. По окончании строительства Жаннере стал главным архитектором города. Он спроектировал практически всю мебель для общественных пространств Чандигарха. Этот грандиозный ансамбль предметов, модернистских по форме и традиционных по способу изготовления, — общепризнанный шедевр мирового дизайна.
С конца 1990-х годов мебель из Чандигарха все чаще встречается в европейских галереях коллекционного дизайна и на аукционах. Благодаря проектам бельгийского декоратора Акселя Вервордта для Канье Уэста и Ким Кардашьян, мода на мебель из Чандригарха распространилась в Калифорнии и во всем мире.
Этторе Соттсасс, стеллаж «Max», 1987
Этторе Соттсасс — звезда итальянского дизайна 1980-х и 1990-х годов и лидер группы «Мемфис», самого яркого, авангардного явления в истории предметного дизайна 1980-х. Участникам «Мемфиса» были не так важны функциональность и хороший вкус, сколько способность пробудить воображение и эмоции. Предметы, которые они проектировали, уже с 1980-х годов собирали коллекционеры Карл Лагерфельд, Андре Путман, Дэвид Боуи. В настоящий момент работы Соттсасса хранятся в музеях дизайна и современного искусства: в MoMA, Метрополитен-музее, Стеделийк-музеуме в Амстердаме, Музее дизайна в Лондоне.
Стеллаж «Мах» носит имя, как предполагается, Макса Палевского, пионера компьютерных технологий, миллионера, коллекционера и филантропа. Для него Соттсасс построил яркий, геометричный и авангардный даже по сегодняшним меркам дом в Калифорнии. С 1987 года было произведено всего 37 экземпляров этого монументального стеллажа.
Евгений Музалевский, «Построим церковь наших несчастий и шалашик нашей любви», 2021
Один из наиболее ярких молодых представителей российской арт-сцены, работающий в традиционной живописной технике, Евгений Музалевский, часто дает своим картинам поэтические названия: «Тени пролетающие мимо», «Сератониновая ямка на твоей щеке» или «Построим церковь наших несчастий и шалашик нашей любви». Это необходимая метафора, позволяющая художнику создать еще одно измерение. Его живопись эмоциональна и непосредственна, но при этом сложна и многослойна. Он конструирует и переносит на холст личные переживания и впечатления, используя знаковые образы, лежащие в глубинах культуры и религии.
Чаще всего Музалевский обращается к фундаментальным проблемам человека, таким как отношения, рождение и смерть. С одной стороны, его картины содержат визуальную рефлексию на события, происходящие вокруг, но в то же время это еще и переработанный культурный опыт, и чуткое исследование истории искусства.
Римма Заневская, «Композиция», 1969
Римма Заневская (Сапгир) — советская и российская художница, чьи работы отличаются четкостью контуров и лаконичностью цвета, а чередование геометрических плоскостей наделяет их ритмичностью и динамической экспрессией. В 1961 году, после знакомства со Львом Нусбергом, она начала серьезно заниматься искусством и присоединилась к группе художников-кинетистов, позже получившей название «Движение».
Как и в «Композиции» (1969), главная тема абстракций Заневской — окружности. Цветовая гамма ее работ чаще всего состоит из двух-трех контрастных оттенков. В 1960-е годы художница использовала приемы оп-арта, позволявшие добиться особой динамики и вибрации форм и, как следствие, иллюзии реального движения.
Франциско Инфанте, Нонна Горюнова, «Артефакты», из серии «К ночи», 2020
Франциско Инфанте и Нонна Горюнова, представители кинетического искусства, с 1970-х работают над серией пространственных композиций на открытом воздухе, получивших название «Артефакты». Основные интересы Инфанте — поиск метафоры бесконечности космоса, исследование гармонии человека и природы в вечном противостоянии индивидуума и мироздания — определились еще в начале 1960-х. А с 1968 года художник начал создавать работы в соавторстве со своей женой, художницей Нонной Горюновой. Вот уже пятьдесят лет они конструируют в мастерской объекты, которые затем фотографируют в естественной среде.
«Артефакты» относятся к серии «К ночи», созданной в 2020 году, раскрывающей тему необъятности и непостижимости универсума. «Артефакты» этой серии технически сложны и блестяще воплощены. Ночью мир будто возвращается в первозданное состояние, как бы отрицая эмпирическое — дневное. В этом запечатленном фазовом переходе и показывается вечность.
Тим Парщиков, серия «Color Matrix. Unreal Venice», 2003–2011
Работа фотографа Тима Парщикова «Color Matrix. Unreal Venice» стала результатом его участия в групповой фотовыставке «Real Venice», показанной в рамках Венецианской биеннале 2011 года. Четырнадцать художников были приглашены в Венецию запечатлеть поэтику повседневности города.
Выставка ставила перед зрителем парадоксальный вопрос: существует ли «настоящая Венеция»? Став Меккой массового туризма, Венеция исчезает из нашего сознания, ее замещает опосредованное восприятие. Пробираясь сквозь слой стереотипов, Парщиков пытается открыть для себя «нереальную» Венецию, тот город, которым она была когда-то, — яркий и пронизанный цветом, а не покрытый патиной времени. Художник обращается к эстетике соседнего острова Бурано, где «вырывает» из реальности фрагменты залитых солнцем фасадов и повседневной жизни островитян, наполненные контрастными тенями. Соединяя эти кусочки вместе, Парщиков создает цветовые матрицы, которые издалека выглядят как абстрактная мозаика или как муранские витражи.
Владимир Андреенков, «Конструкции солнечного дня», 2007
Советский и российский художник-модернист Владимир Андреенков еще в 1970-е годы начал создавать произведения, близкие к минимализму, композиционным построениям Пита Мондриана и супрематическим работам Казимира Малевича. Его интересует интуитивное формообразование посредством простейших геометрических элементов, то есть раскладывание формы с помощью игры контрастных цветовых плоскостей на ритмические составляющие. Это отчетливо видно в работе с поэтическим названием «Конструкции солнечного дня» (2007), где художник использует четыре спектрально чистых цвета — черный, красный, оранжевый и белый.
Вертикальная структура с характерным для картин Андреенкова диагональным смещением задает ритмический рисунок сродни джазовой импровизации. Для художника в его творчестве принципиально важна музыкальная составляющая и «аранжировка» композиции.
Михаил Чернышов, «Петля Нестерова», 1975
Стиль Михаила Чернышова, одного из важнейших художников советской арт-сцены 1960-1970-х, начал формироваться в конце 1950-х, обособлено от каких-либо школ или групп. Он придумал свой оригинальный вариант советского поп-арта, где роль потребителя отвел армии, и выстроил свою знаковую систему через милитаристские образы, в первую очередь военную технику. Параллельно художник работал в стиле геометрической абстракции и был одним из пионеров перформанса в СССР. В конце 1960-х, во время принудительного лечения в Институте психиатрии им. Сербского, Чернышов начинает работу над серией «Самолетное рококо».
Впоследствии эти зарисовки легли в основу для «больших самолетов» на холсте, где лейтмотивом становится деструктурированное изображение итальянских и немецких бомбардировщиков и истребителей. Картина «Петля Нестерова», то есть «мертвая петля», — одна из первых работ этой серии. Здесь соединилось сразу несколько направлений, аккумулированных Чернышовым. Он использует паттерны конструктивистского плаката и добавляет приемы поп-арта, кубофутуризма и футуризма.